A travers ses installations filaires ou par une approche collaborative, l’artiste questionne nos « agencements », nos préjugés, nos jugements de valeur…

De manière résolument positive, poétique, elle invite à revisiter l’imaginaire que l’on a de ce qui nous entoure. Elle cherche à dévoiler et à donner écho à la capacité d’émerveillement propre à chacun.

Valoriser l’existant en déplaçant encore et encore le tapis rouge.

Rencontrer, lier, (r)assembler, mailler, sont alors des gestes et attitudes que l’artiste met en marche dans le but de donner forme à ce qui relève de notre rapport au monde, aux autres.

Fil de la discussion, perdre le fil, texte-textile : c’est tout naturellement qu’elle bascule de l’installation filaire à la rencontre de ses contemporains. Elle tend des fils, déroule des discussions.

Elle travaille en immersion.

(…) [Elle] crée des événements, rend palpable « un état de rencontre » à travers la mise en jeu de dispositifs artistiques interactifs, afin de questionner, redéfinir, expérimenter, rehausser qui nous sommes. Elle invente des espaces-temps préservés du « devoir être », du prévisible, et qui visent à donner lieu à l’instantané, à la spontanéité d’être.

Habiter les lieux, y créer, y afficher, y (co-)produire, c’est pour elle une manière concrète de questionner l’inscription de l’art dans une réalité sociale.

(…) Ces recherches puisent dans différentes démarches, différentes approches. Un art contextuel, par le « rapport direct de l’œuvre et de la réalité » ; Une forme d’art en commun (community-based art) par ses attentions à la conception de « projets davantage faits pour être vécus de l’intérieur », faisant « le choix de la forme de la conversation », et ouvrant « la possibilité pour l’œuvre de devenir une coproduction temporaire » ; Une accentuation sur « l’expérience de la relation sociale », et un point de départ résolument pratique « dans la sphère des rapports humains ». Un art que Ann Guillaume qualifie de « situé » et qui, « traversé par les notions de terrain, de récit, d’enquête, (…) permet de renouveler les différents modes de représentations qui sont censés nous lier les un.e.s aux autres.»

Puisqu’il s’agit de découvrir notre rapport à nous-même et au monde, la place de l’Homme, Viviane Rabaud vise la série, l’inventaire. Elle emprunte ses rythmes, sa rigueur, ses approches…, au style documentaire et à ses stratégies.

(…) Elle interroge, écoute, collectionne, photographie, note, numérote, enregistre. Elle crée une enquête artistique, un inventaire. Toutes ces données et récoltes de vie forment la matière singulière de l’humanité, et constituent la substance de son travail. Ces données et récoltes donnent lieu à des regroupements, à des œuvres variées : installations in situ, installations et créations textiles, installations sonores, photographies, dessins, éditions, vidéos…

Exposer les récoltes, c’est donner à chaque singularité une dimension artistique et publique.

C’est rendre visible un point de vue, une réflexion, loin des récits dominants majoritaires.

C’est aussi permettre d’ouvrir un débat et d’humaniser nos lieux de vie.

(…) En répondant aux invitations de plus en plus fréquentes à s’éloigner du sérail culturel pour s’immerger, grâce à des projets de résidence, dans des mondes qui leurs sont éloignés, voire totalement étrangers, les artistes se prêtent à une redéfinition de leur statut et de leur image. De l’icône inaccessible et enjolivée, ils passent au registre du travailleur, inscrit dans un champ social défini et auquel on attribue une tâche claire : développer un projet dans un milieu cerné et en présence d’un public choisi. L’artiste perd son caractère inaccessible et par conséquence la place marginale qu’il occupait jusqu’alors, dans une vision encore très romantique du monde de l’art. Fini le doux jeune homme rêveur aux cheveux longs et au foulard noué autour du cou. Place au travailleur qui a une mission, et quasiment des objectifs à remplir. L’époque est productiviste et il apparaît que l’artiste n’y échappe pas, quand bien même il bénéficie, on le sait, de règles particulières. Cela mène à l’observation d’un mouvement artistique inhérent à notre époque et à ses règles, un mouvement qui ne s’oppose pas au culte contemporain de l’action et du faire mais qui l’accompagne et que l’on qualifie de contextualisme. Il regroupe les artistes qui créent du lien (social) et qui s’appuient sur un art relationnel.

Viviane Rabaud, son art du tricotin, le représente parfaitement. L’artiste a un matériau : la laine ; une pratique : le tricotin ; un intérêt : le dialogue. Elle développe au fil des contextes et des invitations, des modes, des processus qui trouvent leur légitimité dans le croisement (le tricotinage pourrait-on dire) de ces trois axiomes, et dont la pertinence et la justesse sont trahies par leurs capacités à s’adapter, à épouser le cadre imposé. Elle tisse à chaque étape de son processus artistique des liens qui fondent sa démarche et apportent sens à ses œuvres.

Discussions et échanges donnent concrètement forme au fameux précepte de Robert Filliou « l’art est ce qui rend la vie plus intéressante que l’art”. Au Diaconat, pendant deux mois, en tricotinant ou en déroulant une pelote de 123m de laine tricotinée, les résidents et gens de passage ont découvert de nouvelles raisons de vivre ensemble et des objectifs quotidiens insoupçonnés. Les heures d’ouverture du Bureau des Bilans Artistiques étaient attendues avec impatience, et les records de longueur de tricotin battus de jour en jour. L’art s’est subrepticement immiscé dans le fonctionnement de la maison d’accueil sans que personne ne le nomme. On parlait de rencontres, de records, de métrage, mais jamais d’œuvre.

(…) Viviane Rabaud a proposé tout au long de sa résidence de nombreuses œuvres à protocole. Tricotinages et déroulages se sont effectués selon des règles bien précises, fixées par elle seule et révélées aux participants dans le cadre des rencontres. En privilégiant de la sorte ce procédé, elle s’est placée au plus près des habitants du Diaconat tout en explorant un genre artistique qui pousse toujours plus loin les limites de l’art, en convoquant ouvertement le réel. Car comme le font remarquer Jean-Baptiste Farkas et Ghislain Mollet-Viéville: « Certaines stratégies artistiques font en sorte que l’œuvre n’existe qu’à condition d’être activée. Lorsque cette mise en jeu se situe d’abord du côté de l’art, l’opération tend à se rapprocher de l’art de la performance. Lorsque cette mise en jeu propose de sortir de l’art, elle opère alors dans le monde du réel. C’est sans doute en empruntant cette dernière voie que les œuvres d’art auront une chance de devenir un jour des réalités comme les autres. »

J’ai rencontré Viviane pour un projet artistique participatif que nous menions, intéressée par son travail d’installation autour du fil et de la laine . Je la recontacte, je lui parle de laine, de lien, de tricot, elle me répond «état de rencontre», «rencontre pomponnées», «portraits immersion»…

Le premier acte créateur de Viviane est dans l’essence même de la démarche participative. L’objet créé est une invitation à la rencontre, avec soi-même, avec les autres, avec elle, avec le monde. Viviane, telle une guide, apporte matières et couleurs, accompagne, autorise, libère, encourage. D’une matière brute, vierge, chacun creuse, fouille, tisse, assemble, donne corps à sa pensée, à ses idées, à son histoire… sur mesure…

Un bâton, coupé à sa taille, qu’on sculpte, comme on se forge une histoire, un caractère, une expérience… un bâton qu’on habille, comme d’un vêtement, d’un habit qui fait le moine…

Un bâton symbole, grigri, objet-jardin-secret… Le bâton est devenu une sorte d’objet de reliance avec le grand mystère, un pont avec soi, un lien avec l’autre, une œuvre.

Mise en abime finale, Viviane organise l’explicitation de ce bâton par son créateur. Viviane précise le geste et concentre la matière pour creuser l’état de rencontre et puiser ce qui deviendra, à son tour, sa matière artistique. La rencontre se fait plus précise, plus resserrée, l’espace-temps se densifie pour lier le geste à la parole. Elle laisse monter les mots, parfois profondément enfouis. Une rencontre dans la confiance, une confiance qui entraine jusqu’à la création finale.

Point d’orgue de sa proposition, Viviane tire un portrait, une photo en plan américain. Cette dernière mise à nu révèle le pouvoir de la rencontre que Viviane a mis en place, de l’intime qui s’est tissé, une confiance qui lui permet de capter des regards fiers, francs, des portraits de femmes et d’hommes libres, la tête haute, incarnés, présents à eux et au monde.

Une chaise, c’est un objet anodin, commun mais néanmoins très représenté dans l’art, paradoxal parce qu’il est tout autant une invitation à la pause, qu’une invitation à la divagation. “Tricotiner” durant la discussion est une manière d’occuper ses doigts, de matérialiser la rencontre, de permettre l’introspection. Comme l’on est invité à s’installer où l’on voudrait avec sa chaise, l’artiste s’installe avec sa caravane, son bureau mobile, à l’épicentre du village. Avec générosité et curiosité, elle recueille les propos, les mots, les formules poétiques et conçoit le cadavre exquis d’une conversation qui se complète, se contredit, se répète, divague encore. Viviane Rabaud invite à la curiosité d’aller consulter au petit matin les paroles récoltées la veille, émergeant dans la ville au réveil comme ces quelques bribes de paroles qui restent des discussions du soir. Le résultat n’est pourtant pas un brouhaha mais le murmure silencieux d’une conversation secrète, la révélation d’une discussion polyphonique.